Buscar este blog

miércoles, 24 de agosto de 2011

la ultima santa cena de alfonso de castagno

Una de las más famosas obras de Andrea del Castagno es la Última Cena pintada por debajo de los relatos de la Pasión de Cristo. Hasta hace muy poco la última cena que parecía ser pintadas de colores mucho más oscuros que las escenas directamente encima de él, el hecho ha dado lugar a muchos debates animados entre los expertos con respecto a la datación de la obra. Pero después de la última limpieza (1977-79) el contraste de color y tono entre los dos niveles ha desaparecido, y los colores de la Última Cena ha sido restaurado a su belleza original.pintado en 1447 es un fresco de 453x975 cms esta expuesto en santa apolonia en florencia italia
Todos los estudiosos están de acuerdo en alabar la estructura arquitectónica Sobre de la habitación donde la escena de la Última Cena se lleva a cabo: una habitación en el estilo austero de Alberti, con los paneles de mármol espléndido color funciona como un telón de fondo de la escena pesada y solemne de la banquete. Nótese también la belleza de algunos de los detalles de menor importancia, tales como los aspectos más destacados de oro en algunos de los cabellos de los personajes o los halos se muestra en perspectiva perfecta. El otro elemento extraordinario de este fresco es el notable equilibrio de gestos y expresiones, particularmente en el grupo de figuras en el centro de la composición, donde se contrasta el sueño inocente de San Juan a la izquierda de Jesús a la figura tensa y rígida de Judas sentado enfrente.


Todos los estudiosos están de acuerdo en alabar la estructura arquitectónica Sobre de la habitación donde la escena de la Última Cena se lleva a cabo: una habitación en el estilo austero de Alberti, con los paneles de mármol espléndido color funciona como un telón de fondo de la escena pesada y solemne de la banquete. Nótese también la belleza de algunos de los detalles de menor importancia, tales como los aspectos más destacados de oro en algunos de los cabellos de los personajes o los halos se muestra en perspectiva perfecta.

Un elemento extraordinario de este fresco es el notable equilibrio de gestos y expresiones, particularmente en el grupo de figuras en el centro de la composición, donde se contrasta el sueño inocente de San Juan a la izquierda de Jesús a la figura tensa y rígida de Judas sentado frente.

El tratamiento de la Última Cena fue un gran reto para los pintores del Renacimiento, que tuvo que representan figuras trece, manteniendo la diversidad y el interés. Para esta escena, Castagno creado un espacio de participación con placas de imitación de mármol de la pared y el piso fuertemente en escorzo y el techo. Las figuras están dispuestas detrás de una mesa larga y estrecha, con la excepción del Apóstol en cada extremo y Judas Iscariote, aislado en la parte frontal. El grupo central, compuesto por cuatro figuras, Judas, Cristo, Pedro y Juan, es visualmente enfatizado por una losa de mármol de color rojo espectacular.





la ultima santa cena de alfonso de castagno

Una de las más famosas obras de Andrea del Castagno es la Última Cena pintada por debajo de los relatos de la Pasión de Cristo. Hasta hace muy poco la última cena que parecía ser pintadas de colores mucho más oscuros que las escenas directamente encima de él, el hecho ha dado lugar a muchos debates animados entre los expertos con respecto a la datación de la obra. Pero después de la última limpieza (1977-79) el contraste de color y tono entre los dos niveles ha desaparecido, y los colores de la Última Cena ha sido restaurado a su belleza original.pintado en 1447 es un fresco de 453x975 cms esta expuesto en santa apolonia en florencia italia
Todos los estudiosos están de acuerdo en alabar la estructura arquitectónica Sobre de la habitación donde la escena de la Última Cena se lleva a cabo: una habitación en el estilo austero de Alberti, con los paneles de mármol espléndido color funciona como un telón de fondo de la escena pesada y solemne de la banquete. Nótese también la belleza de algunos de los detalles de menor importancia, tales como los aspectos más destacados de oro en algunos de los cabellos de los personajes o los halos se muestra en perspectiva perfecta. El otro elemento extraordinario de este fresco es el notable equilibrio de gestos y expresiones, particularmente en el grupo de figuras en el centro de la composición, donde se contrasta el sueño inocente de San Juan a la izquierda de Jesús a la figura tensa y rígida de Judas sentado enfrente.


Todos los estudiosos están de acuerdo en alabar la estructura arquitectónica Sobre de la habitación donde la escena de la Última Cena se lleva a cabo: una habitación en el estilo austero de Alberti, con los paneles de mármol espléndido color funciona como un telón de fondo de la escena pesada y solemne de la banquete. Nótese también la belleza de algunos de los detalles de menor importancia, tales como los aspectos más destacados de oro en algunos de los cabellos de los personajes o los halos se muestra en perspectiva perfecta.

Un elemento extraordinario de este fresco es el notable equilibrio de gestos y expresiones, particularmente en el grupo de figuras en el centro de la composición, donde se contrasta el sueño inocente de San Juan a la izquierda de Jesús a la figura tensa y rígida de Judas sentado frente.

El tratamiento de la Última Cena fue un gran reto para los pintores del Renacimiento, que tuvo que representan figuras trece, manteniendo la diversidad y el interés. Para esta escena, Castagno creado un espacio de participación con placas de imitación de mármol de la pared y el piso fuertemente en escorzo y el techo. Las figuras están dispuestas detrás de una mesa larga y estrecha, con la excepción del Apóstol en cada extremo y Judas Iscariote, aislado en la parte frontal. El grupo central, compuesto por cuatro figuras, Judas, Cristo, Pedro y Juan, es visualmente enfatizado por una losa de mármol de color rojo espectacular.





san pablo en la capilla de san francisco de asis

san pablo en la capilla de san francisco de asis

el beso...el abrazo de amor entregado de pareja en los pasillos en la escalera de francesco hayez



Este lienzo de amor de pareja rojo vivo de fuego y azul tierno de entrega de francesco hayez muy bien ha convertido en uno de los símbolos del romanticismo italiano. Surgió de la cadena sentimental y melodramática de drama de época medieval que Verdi tan bellamente plasma en sus óperas
 El beso de 1859  Óleo sobre lienzo, 112 x 88 cm Pinacoteca di Brera, Milán


el beso de frank bernard dicksee y shakespeare

el beso...el abrazo de amor entregado de pareja en los pasillos en la escalera de francesco hayez



Este lienzo de amor de pareja rojo vivo de fuego y azul tierno de entrega de francesco hayez muy bien ha convertido en uno de los símbolos del romanticismo italiano. Surgió de la cadena sentimental y melodramática de drama de época medieval que Verdi tan bellamente plasma en sus óperas
 El beso de 1859  Óleo sobre lienzo, 112 x 88 cm Pinacoteca di Brera, Milán


el beso de frank bernard dicksee y shakespeare

el pensador de rodin

el beso de auguste rodin
El pensador  es una de las más famosas esculturas en bronce de Auguste Rodin.

La pieza, denominada originalmente El poeta, formaba parte de una comisión del Museo de Artes Decorativas de París para crear un monumental portal basado en La Divina Comedia de Dante. Cada una de las estatuas representaba a uno de los personajes principales del poema alegórico. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno (como llamó, en efecto, al portal del que formaría parte), ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía.
Rodin hizo un primer modelo de la escultura en yeso en 1880. La primera escultura a gran escala se culminó en 1902, aunque no fue presentada en público hasta 1904.
Existen más de veinte versiones de la escultura en diferentes museos alrededor del mundo. Algunas son versiones ampliadas del original; otras, de diferentes proporciones. El Pensador está fundido en bronce y fue terminado en 1880.








domit slim y su museo soumaya






el pensador de rodin

el beso de auguste rodin
El pensador  es una de las más famosas esculturas en bronce de Auguste Rodin.

La pieza, denominada originalmente El poeta, formaba parte de una comisión del Museo de Artes Decorativas de París para crear un monumental portal basado en La Divina Comedia de Dante. Cada una de las estatuas representaba a uno de los personajes principales del poema alegórico. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno (como llamó, en efecto, al portal del que formaría parte), ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía.
Rodin hizo un primer modelo de la escultura en yeso en 1880. La primera escultura a gran escala se culminó en 1902, aunque no fue presentada en público hasta 1904.
Existen más de veinte versiones de la escultura en diferentes museos alrededor del mundo. Algunas son versiones ampliadas del original; otras, de diferentes proporciones. El Pensador está fundido en bronce y fue terminado en 1880.








domit slim y su museo soumaya






la piedad de miguel angel

piedad en el entierro de jesuscristo


En la Piedad, de Miguel Ángel se acercó a un tema que hasta entonces se había dado forma en su mayoría al norte de los Alpes, donde la representación del dolor ha sido siempre conectado con la idea de la redención: se llamaba el "Vesperbild" y representó a la sentada Madonna la celebración de Cristo cuerpo en sus brazos. Pero ahora los veintitrés años de edad, artista nos presenta una imagen de la Virgen con el cuerpo de Cristo nunca intentado antes. Su rostro es juvenil, sin embargo, más allá del tiempo, su cabeza se inclina ligeramente el cuerpo sin vida de su hijo acostado en su regazo. "El cuerpo de Cristo muerto exhibe la perfección misma de la investigación en cada músculo, vena y nervio. Ningún cadáver puede más se asemejan completamente a los muertos que hace esto. No es una expresión más exquisita en el rostro. Las venas y las legumbres, además , se indican con exactitud tanto, que uno no puede sino maravillarse cómo la mano del artista que en poco tiempo han producido una obra divina ".
Hay que tomar es sobre la "belleza divina" de la obra en el sentido más literal, con el fin de comprender el significado de esta composición. Miguel Ángel convence a sí mismo y nos de la cualidad divina y el significado de estas cifras por medio de la belleza terrenal, ideal para los estándares humanos y por lo tanto, divino. Estamos aquí frente a frente no sólo con el dolor como una condición de la redención, sino más bien con la belleza absoluta como una de sus consecuencias.


expiatorio en guadalajara mexico

la piedad de miguel angel

piedad en el entierro de jesuscristo


En la Piedad, de Miguel Ángel se acercó a un tema que hasta entonces se había dado forma en su mayoría al norte de los Alpes, donde la representación del dolor ha sido siempre conectado con la idea de la redención: se llamaba el "Vesperbild" y representó a la sentada Madonna la celebración de Cristo cuerpo en sus brazos. Pero ahora los veintitrés años de edad, artista nos presenta una imagen de la Virgen con el cuerpo de Cristo nunca intentado antes. Su rostro es juvenil, sin embargo, más allá del tiempo, su cabeza se inclina ligeramente el cuerpo sin vida de su hijo acostado en su regazo. "El cuerpo de Cristo muerto exhibe la perfección misma de la investigación en cada músculo, vena y nervio. Ningún cadáver puede más se asemejan completamente a los muertos que hace esto. No es una expresión más exquisita en el rostro. Las venas y las legumbres, además , se indican con exactitud tanto, que uno no puede sino maravillarse cómo la mano del artista que en poco tiempo han producido una obra divina ".
Hay que tomar es sobre la "belleza divina" de la obra en el sentido más literal, con el fin de comprender el significado de esta composición. Miguel Ángel convence a sí mismo y nos de la cualidad divina y el significado de estas cifras por medio de la belleza terrenal, ideal para los estándares humanos y por lo tanto, divino. Estamos aquí frente a frente no sólo con el dolor como una condición de la redención, sino más bien con la belleza absoluta como una de sus consecuencias.


expiatorio en guadalajara mexico

libano con la virgen harissa

libano con la virgen harissa